10 візуальних прийомів кіно, знання яких відкриє улюблені фільми з нового боку

У кожного режисера є фішки, з допомогою яких він викликає у глядача певні емоції, доносить свої думки. І це не діалоги і дії акторів, а особливі візуальні прийоми. Вони безпосередньо працюють з нашою підсвідомістю, а інколи містять у собі таємний посил, який може пропустити навіть запеклий кіноман.

Social.org.ua заглибився в кінознавство, щоб освоїти візуальний мову кіно, і проаналізував творчість культових режисерів, щоб зрозуміти особливості їх стилю.

Формат кадру

Більшість глядачів не замислюється, чому обраний той чи інший розмір кадру. Але ці пропорції залежать від ідеї картини і її жанру і дають режисерові можливість грати з сприйняттям наглядача. Так, широкі формати створюють відчуття масштабності і епічності подій, дозволяють захопити якомога більше деталей. Один з недавніх прикладів — нова кіноадаптація історії про Аладдіна.

Також широкий кадр дозволяє захопити кілька персонажів і передати емоції кожного, що корисно для кіно з великою кількістю діалогів. Майстер діалогів Квентін Тарантіно часто використовує найширший варіант плівки — 11:4.

Тим часом вузький кадр може змусити глядача відчути почуття дискомфорту і тісноти. Фільм «Матуся» Ксав'є Долана — яскраве тому підтвердження. Картина навряд чи припаде до смаку страждаючим клаустрофобією: формат 1:1 не залишає в кадрі нічого, крім осіб персонажів. Лише в кінці головний герой ніби «розсуває» ці рамки, що символізує зречення від забобонів і стереотипів і початок нової, повної життя.

План

У діалогах також велику роль відіграє план. Наприклад, крім відмінно прописаного тексту і талановитої гри акторів діалоги Тарантіно чіпляють нас постійною зміною плану: режисер підкреслює кожну емоцію і напруженість моменту. Діалог і Кривавого генерала Майора в «Омерзительной вісімці» починається з питання: «Як пішли справи після війни?» Камера знаходиться далеко від персонажів, а глядач повністю розслаблений.

Однак, коли діалог стає більш особистим, камера починає постійно змінювати план. Вона то віддаляється, знижуючи градус напруги, то наближається, акцентуючи увагу на драматичність моменту.

Ракурс

Важливу роль у сприйнятті глядачем персонажа і ситуації грає ракурс. Зйомка під кутом зверху при цьому може символізувати слабкість, вразливість героя і вплив обставин на нього.

Знизу, навпаки, — демонструє мужність, героїзм, силу чи владу героя.

Іноді можна зустріти такий прийом, як «голландський кут», коли зйомка ведеться під нахилом. Він підкреслює складний психологічний стан героя — від невеликого психозу до божевілля.

А такі кадри можуть символізувати відчуженість героя від світу.

Композиція

Композиція (будова) кадру — це взаємне розташування його частин. В реальному світі нечасто зустрічаються симетрія і ідеальне побудова об'єктів навколо нас, тому кадри, де це втілено, притягують погляд. Зазвичай у фільмах вони статичні. Якщо бачите статичний кадр, спробуйте розібрати його композицію.

Здавалося б, у момент зйомки статичних кадрів мета оператора — помістити персонажа в центр і той визначає все на око. Але ні, грамотні киношники ретельно вибудовують героїв і об'єкти, до сантиметра вивіряючи композицію.

Монтаж

Монтаж впливає на ритм фільму і послідовність розповіді. Неспішність і мала кількість монтажних склеювань створюють якусь гармонію, в той час як їх безліч веде до зворотного ефекту. У картині «Реквієм за мрією» Даррен Аронофскі використовує такий прийом, як «хіп-хоп-монтаж», який змушує нас побачити світ очима героїв, залежних від наркотиків. В ньому більше 2 тис. монтажних склеювань, тоді як в середньому фільмі їх буває 600-700.

Середня довжина монтажного кадру в кінематографі — 5-6 секунд, далі йде монтаж, щоб глядачеві не набрид один ракурс. Але є режисери, які вважають, що із-за зайвих склейок іноді можна втратити добру частку реалістичності. Наприклад, у фільмі Девіда Фінчера «Кімната страху» камера, замість того щоб «моргнути» і в наступному кадрі показати іншу частину будинку, просто літає по ньому, ніби ігноруючи стіни і двері.

Більшості фільмів притаманне послідовне оповідання, лише зрідка розбавлене флешбэками (спогадами героїв про минуле) і флешфорвардами (показами майбутнього). Але є культові картини, в яких на складному монтажі зав'язана вся ідея. Одна з них — «Кримінальне чтиво», яку, немов пазл, глядачеві доводиться збирати самостійно. Чи шедеври Крістофера Нолана, підривають мозок недосвідченому глядачеві. Наприклад, з його картини «Пам'ятай» міг би вийти другий повноцінний фільм, якщо показати її задом наперед.

Рухливість камери

Величезну роль у створенні певної атмосфери відіграє робота з камерою. Наприклад, після «Врятувати рядового Райана» Стівена Спілберга в картинах про війну режисери стали використовувати ручну камеру, яка створює ефект присутності.

Також камера може бути рухливою, але не трястися, як при ручній зйомці, а «плисти» над героями або біля них. Залежно від фільму такий прийом дозволяє показати події зі всіх ракурсів, або змусити глядача відчути певний ефект, наприклад запаморочення, сп'яніння чи дії наркотиків.

Довга статика камери тим часом дає глядачеві перевести подих і подумати над подією у фільмі.

Кольорове рішення

Як правило, драмам притаманна блякла палітра, а комедіям — більш насичена. Але є й картини, в яких не все так просто. Наприклад, Уес Андерсон у своїх фільмах використовує яскраві, «цукеркові» тони, але назвати їх звичайною казкою або комедією складно. В основі сюжетів лежать трагічні історії, які хоч і мають щасливий кінець, але були б більше схожі на драму, якщо зняти їх менш яскравими.

А згадайте дівчинку в червоному пальто в чорно-білому «Списку Шиндлера». Спілберг описує її як величезна червона пляма, яку всі бачили, але ніхто нічого не робив. Тобто уряди різних країн знали про голокост, але не намагалися його зупинити, а лише готувалися захищати себе.

У картині «Плезантвіль» режисер Гері Росс взяв такий контраст, щоб висловити головну ідею фільму. За сюжетом підлітки потрапляють в старий чорно-білий серіал. Таке колірне рішення демонструє різницю часів, але поступово все навколо починає грати фарбами.

Також колір може характеризувати героїв. У «Дівчині з татуюванням дракона» Девіда Фінчера, наприклад, Лісбет живе немов у холодному синьому світі, просякнутому проблемами і криміналом. Тим часом Мікаель поданий через тепле світло: його життя майже ідеальне. Але, коли герої разом — світ навколо поєднує ці фарби.

Освітлення

Рідкісний фільм сьогодні обходиться без додаткового освітлення, навіть якщо дія відбувається у сонячну погоду або в досить світлому приміщенні. Але є винятки. Ларс фон Трієр зняв більшу частину сцен «Танцює в темряві» без якого-небудь додаткового світла і на ручну камеру, завдяки чому вони виглядають як відео з сімейного архіву. Задумка в тому, що після кожної особливо драматичної сцени настає «музична пауза», де героїня починає співати і танцювати, а до справи відразу підключається статична камера, додаткове освітлення і обробка зображення. Завдяки цьому контрасту, виникає відчуття, ніби з жорстокої реальності нас перенесли в красивий мюзикл.

Тим часом простий промінь світла, що падає на персонажа, може символізувати багато: самотність, божевілля, геніальність. Наприклад, у фільмі «Апокаліпсис сьогодні» Френсіса Форда Копполи полковник Курц усвідомила абсурдність війни і відрікся від цивілізації. Божевільний він чи геній — залежить від того, на чию сторону ви встанете, але такий світ явно підкреслює нестандартність персонажа.

А голова антагоніста у фільмі «Сім» Девіда Фінчера у фіналі буквально світиться від сонця порівняно з іншими сценами, знятими в умовах дощу. У Фінчера такий прийом символізує смерть: у всіх його наступних картинах значущі персонажі найчастіше вмирають у променях сонця.

Середа

Погодні умови, декорації і робота з відео також впливають на почуття глядача. Дощ у більшості випадків посилює драматичність, може поселити до дивиться почуття дискомфорту.

А в недавньому блокбастері «Аліта: Бойовий ангел» майже все оточення і навіть особа головної героїні створені за допомогою комп'ютерної графіки. Але це не тому, що Роберт Родрігес не знайшов відповідних декорацій: метою режисера було максимально наблизитися до джерела — японським коміксами (манга) GUNNM.

Раніше такий прийом використовувався в «Місті гріхів», щоб занурити читача у світ коміксів, за яким знято дилогія.

Символізм

Один з найважчих для розуміння прийом: необхідно не тільки вміти тлумачити зміст цих символів, але і, в принципі, зчитувати їх на тлі безперервного оповідання. Наприклад, скорпіон на куртці головного героя у фільмі «Драйв» Ніколаса Рефна, постійно мелькає в кадрі, відсилає до давньої притчі про жабу, переправлявшей скорпіона через річку і ужаленной їм в кінці. Герой Райана Гослінга, подібно скорпіону, намагається відмовитися від своєї хижої природи з допомогою героїні Кері Малліган, але в підсумку все одно залишається собою.

У картині «Прибуття» Дені Вільньова всюди зустрічаються кола і замкнуті цикли, що в контексті фільму символізує циклічність і нескінченність часу. Коли героїні стає зрозумілий мова гексаподов, вона починає так само мислити, розповідаючи про своє майбутнє як про вже доконаний факт. Можна зауважити, що навіть її ім'я, по суті, не має початку і кінця: Hannah читається так само, якщо вимовляти його і задом наперед.

А ось цей кадр з трилера «Сім» явно нагадує павутину. І детективи потрапляють в цю пастку, коли погоджуються слідувати до місця, яке назвав їм маніяк.

Це далеко не повний список майстерних прийомів, з допомогою яких режисери впливають на нас, глядачів. Можливо, ви помічали ще щось подібне у ваших улюблених фільмах?